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전시 DAEJEON MUSEUM OF ART

예정전시

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소장품전시 신소장품 2021
  • 전시기간 2022-02-15 ~ 2022-05-15
  • 부문 회화 조각 공예 뉴미디어 사진
  • 작품수 15점
  • 관람료
  • 출품작가 김두진 김영호 김희라 박종욱 신승백·김용훈 안치인 유근영 유영교 이윤희 이인희 이재석
  • 전시장소 3전시실,4전시실
  • 주최 및 후원 대전시립미술관
  • 전시문의 042-120
  • 기획의도
    대전시립미술관(DMA)은 연간 수집한 작품을 공개하는 신소장품전을 지속적으로 개최하고 있다. 미술관은 ‘수집’을 통해 동시대 현대미술을 대표하는 작품들을 선별하여 보존ㆍ활용하고, 동시에 미술관이 지향하는 비전과 정체성을 구축해나간다. 신소장품 전시는 ‘수집’의 결과로 이루어지기 때문에 특정 주제나 개념의 개입 없이 소장품을 그 자체로서 주목하고, 미술관과 컬렉션의 의미는 무엇인지 되짚어보는 기회를 제공한다.
  • 전시내용
    2021년에는 회화, 공예, 조각, 뉴미디어 등 다양한 장르의 15점의 작품이 새롭게 소장품으로 등록되었다. 특히 2021년의 경우 대전지역의 중견작가 및 청년작가들의 작품을 중점적으로 수집하여 지역미술관으로서의 역할을 확대해나가는 한편, 7채널의 대형스크린으로 구성되는 영상작품을 컬렉션에 추가하며 미디어아트 수집의 기조를 이어나갔다. 소장품은 미술관의 특성을 보여주는 가장 중요한 지표이자, 전시, 연구, 교육, 홍보 등 미술관의 모든 기능의 근간을 이루는 핵심요소이다. 더불어 무수한 미술작품 중 미학적, 미술사적 대표성이 평가된 작품들이기에 자연스럽게 동시대 현대미술을 읽을 수 있는 단서가 된다. 《신소장품 2021》전시를 통해 각각의 소장품이 갖는 풍부한 의미와 대전시립미술관의 정체성과 방향성을 가늠할 수 있는 기회가 되길 기대한다.
  • 작가정보
    김두진(b.1973)은 고전 명화와 조각의 이미지를 차용하여 기존의 작품이 가지고 있는 의미를 전복시켜왔다. 〈피에타〉는 성모 마리아가 죽은 그리스도의 시신을 무릎 위에 놓고 등을 떠받들며 안고 있는 구도로 르네상스 시대의 미켈란젤로의 피에타 조각을 차용한 디지털 페인팅이다. 작품은 3D모델링을 통해 수천조각의 사슴과 동물의 머리뼈로 피에타의 형상을 구축한 후 디지털프린트로 출력하여 완성된다. 초식동물의 뼈로 축조된 피에타상은 지금까지 우상으로 숭배되어 온 서구-인류 문명이 무엇 위에 세워졌는지 은유한다. 김두진의 회화에서 초식동물로 상징되는 가장 취약한 계층은 우리사회에서 성소수자, 장애인, 여성, 이주노동자, 난민 등을 대변한다.

    김영호(b.1958-)는 1970년대 후반 대전미술의 특징인 해프닝, 이벤트, 퍼포먼스, 자연미술 등 다양한 장르에서 작품 활동을 전개한 작가이다. <기·미시감>은 처음 본 것을 익히 보아왔던 것으로 착각하게 되는 기시감이나 이미 본 것을 처음 본 것처럼 느끼는 미시감을, 대상을 재현하는 구상회화는 물론 추상화에서도 겪게 되는 것에서 촉발된 작품이다. 유채색 위주의 무수한 붓질로 화면을 채운 뒤 중앙부를 경계선처럼 화면을 가로지른 상태로 남겨둔 것은 일종의 삼투현상을 의식한 결과이다. 이쪽과 저쪽을 구분하듯 보이지만 미세하게 양쪽을 넘나드는 반투막 역할을 통해 피아(彼我)의 경계를 허물고자 하는 의미이다.

    김희라(b.1969-)는 흔히 접할 수 있는 다양한 일상의 사물을 손바느질을 통해 실체와 비실체 사이 어딘가에 존재하는 경계의 틈으로 전치하는 방식으로 자신만의 작품세계를 추구해 왔다. <파란 잎과 항아리>는 천과 실로 표현한 정물로, 이파리는 천에 솜을 넣어 입체감 있게 만들고, 항아리는 천과 실을 잇고 바느질 땀을 이용하여 평면과 부조로 정물을 그려냈다. 손바느질은 시간을 축적해 얻어낸 결과로, 일상의 경험 속에서 매순간 느낀 것을 시간을 들여 기록하였다. 김희라의 작업방식은 실이라는 매개를 통해 사회와 현실을 잇고 관통하며 세상읽기를 시도한다. 또한 일상의 사물에 생명을 이식하듯 연결하는 손바느질이라는 고된 수작업을 통해 현대미술의 경계를 위트있게 넘나든다.

    박종욱(b.1991)은 대전을 기반으로 활동하고 있는 청년작가로, 물감과 합성수지에서 생활 도구와 곤충표본까지 다양한 소재를 창의적으로 배열하고 재구성하는 방식의 작업을 선보여 왔다. <조련사>에서는 기존의 ‘수집’과 ‘통제’의 작업방식에서 다소 변화하여 아크릴릭 페인트를 통해 ‘형태’, ‘색’, ‘구성’ 이라는 세 가지 요소를 전면적으로 다루고 있다. 화살에 맞아 피 흘리며 죽어가는 동물을 연상시키는 거칠고 왜곡된 형상은 그 자체로 강한 존재감을 나타내고, 의도적으로 제한한 색채는 이를 보다 강렬하게 전달하며, 화면 밖으로 넘어가는 과감한 구성은 시각적 확장을 효과적으로 달성한다.

    신승백·김용훈은 서울을 기반으로 활동하고 있는 아티스트 그룹으로, 기술이 인간 삶에 끼치는 영향에 대해 탐구하고 있으며, 최근에는 인공지능과 인간의 관계에 대한 작업을 진행하고 있다. <꽃>은 꽃 사진을 소프트웨어를 통해 여러 형태로 왜곡시키고, 그 중 인공지능이 여전히 '꽃'으로 인식한 이미지들을 보여주는 작품으로, 7개의 꽃 사진을 기반으로 7개의 영상작품이 제작되었다. 이렇게 만들어진 결과물은 인간의 관점에서는 '익숙하지만 낯선' 이미지들이다. 이렇듯 작가는 인공지능의 예외적인 지각 현상을 제시함으로써 컴퓨터가 생각하고 바라보는 시각의 단면을 드러낸다.

    이재석(b.1989)은 《넥스트코드 2019》의 참여 작가로 대전과 서울을 오가며 활발한 작업을 이어가고 있다. 그의 작업은 개인적인 서사에서 출발하는데, 군대에서 겪은 다리 부상 이후 몸과 사물, 삶과 죽음과 같은 서로 대조되는 두 가지 대상의 경계에 놓인 것들에 대해 탐구한다. <겹쳐진 텐트>에서 작가는 군용텐트를 ‘얇은 막으로 내면을 숨긴 채 외부 세계와 상호작용하는 유기체’로 인식하며, 자유와 통제, 변화와 유지, 나아가 자연과 인간 사이의 경계를 넘나드는 인간의 양면성을 표현하는 대상으로 삼는다. 동시에 텐트의 겹쳐진 형상과 땅에 완전히 고정되지 않은 모습은 불완전하고 유동적인 특성을 강조한다.

    안치인(b.1955)은 목원대학교 재학시절 ‘78세대’ 그룹 활동을 시작으로 기존의 미술형식을 탈피하여 다양한 행위예술을 통한 실험적 작품세계를 펼쳐왔다. 〈입체 드로잉〉은 2013년 대전 이공갤러리에서 열린 개인전의 출품작이다. 작가는 이 전시를 통해 수목(樹木)에서 재단한 목재를 평면화한 후 그 평면에서 선을 추출해내는 일련의 과정을 입체 드로잉과 가변적인 설치 작업으로 선보였다. 〈입체 드로잉〉은 이처럼 덩어리(mass)-면(plane)-선(line)에 이르는 작가의 관조 과정과 조형어법을 보여주는 동시에, 자연 혹은 환경에 대한 그의 관심이 드러나는 작품이다.
    <둥우리>는 새의 생태를 캔버스에 드로잉 한 작품으로 6개의 캔버스를 이은 대형 작업이다. 2006년 《대전미술의 지평》 전시에 출품되었을 때는 새의 생태를 담은 각기 다른 영상이 있는 대형 새둥지 설치 작품이 함께 연출되었다. 안치인의 작품세계는 ‘일관된 행위를 통해 무형과 유형의 결과를 얻어내고, 인간과 자연 그리고 생태에 대한 원초적인 에너지를 미술의 영역으로 끌어들이면서 메시지를 전달하는 것이다. 그리고 그 인간과 환경의 관계성을 시간과 공간의 장 속에서 유기적으로 드러내고 있다.

    유근영(b.1948-)은 <엉뚱한 자연> 시리즈로 우리에게 친숙한 자연소재들을 화려한 색채대비와 거침없는 필법으로 강렬하게 그려내 왔다. 풀잎을 연상시키는 초기의 추상적 패턴으로 출발한 그의 작품세계는 90년대 초 <엉뚱한 자연> 시리즈에 이르면 구상과 비구상, 표현과 재현의 영역을 자유롭게 넘나드는 독자적인 양식으로 자리잡게 된다. 작가는 대상을 마주하는 대신, 마음속에 떠오르는 자연의 이미지를 구조적, 형식적 제약없이 자유롭고 과감하게 형상화한다. 원색의 강렬한 색채들이 엉키고 충돌하며 빚어내는 낯선 자연의 모습은 이성과 논리의 통제에서 벗어나 억압되어 있던 순수한 감성을 해방시킨다.

    이윤희(b.1986)는 도자를 주된 매체로 전통적인 도자작업의 형태에서 벗어나 자신의 고유한 서사를 구축하며 조형작업을 이어온 작가이다. 맑은 백자에 금과 채색을 부분적으로 사용하여 종교 도상의 근엄한 형식과 애니메이션이나 피규어 형상의 경쾌함이 공존한다. <신곡> 시리즈는 중세 세계관을 집대성한 단테의 서사시 ‘신곡’을 모티브로 삼아 인간의 삶과 죽음의 모습을 종교적 형상으로 드러낸 도자조각이다. 작가는 단테의 신곡과 달리 “신탁에 의해 예정된 욕망과 불안으로 행복하지 못한 소녀”를 작품에 등장시키며, 이 소녀가 삶의 과정으로서 불안과 욕망을 치유하고 평안의 장소에 다다르게 되는 이야기를 작품의 주제로 삼는다.

    이인희(b.1975)는 주로 ‘대체 가능한 사물(객체)에서 대체 불가능한 사물(주체)로의 존재론적 전환’을 시도하며 몽환적인 작품세계를 펼쳐왔다. 작품에 등장하는 사물들은 일상적으로 마주하지만 어느 순간 쓸모없어져서 제 기능을 할 수 없게 된 사물들이다. 그것은 관계와 시간을 입고 걸치며 단순한 도구가 아닌, 스스로의 존재론적 위치를 만들어간다. 사물을 다듬고 형상화하는 행위는 본인의 기억을 다듬고 수선하여 스스로의 씻김으로 귀결되는 자기 정화적인 행위가 되는 것이다. 이러한 오브제로서의 설치 형식은 이후 사진이나 회화를 접목하는 방식을 통해 초현실적 화면으로 구성하였다.

    유영교(1946-2006)는 ‘누구나 이해할 수 있는 작품’과 ‘내적인 의미 추구’에 작품제작의 목적을 두었다. 그의 작품은 가족, 여인상, 종교적 주제의 돌조각과 움직이는 철제조각, 물이 흐르는 자연석의 샘 조각 등으로 분류되는데 이 과정에는 인간과 자연에 대한 깊은 애착을 담고 있으며, 공간과의 조화에 끊임없는 실험과 노력을 기울였다. <욥>은 구도자적 그의 삶을 반영하는 작품으로 정으로 거칠게 쪼아 회화의 거친 붓 자국과 같은 효과를 나타냈다. 성서 속의 인물인 욥의 처절하게 울부짖는 모습을 통해 인간성 내부에 도사리고 있는 휴머니즘적인 본질을 돌의 감각적인 질감과 양감으로 나타냈다. <황토 1>은 서민의 삶에 관심을 가지고 있던 1980년대 작품으로, ‘자신의 어머니도 이해할 수 있는 작품을 하고 싶다’는 작가의 생각을 반영한 작품이다. 얼굴, 손, 발의 묘사는 사실적이면서 몸 전체의 양감을 한 덩어리로 처리함으로써 웅크린 촌부의 느낌을 전달하고 있다. <황토 2>는 <황토 1>을 확대한 작품으로, 제작 당시 황토의 느낌을 내기 위하여 좀 더 소박한 느낌의 사암을 사용하였다.